CDE Studies 27

Ariane de Waal Theatre on Terror: Subject Positions in British Drama. Berlin/Boston: Walter de Gruyter, 2017. ISBN

Ariane de Waal
Theatre on Terror: Subject Positions in British Drama.

Berlin/Boston: Walter de Gruyter, 2017.
ISBN 978-3-11-051708-8, 297 pp., hardb., € 99,95 (2017)

In a moment of intense uncertainty surrounding the means, ends, and limits of (countering) terrorism, this study approaches the recent theatres of war through theatrical stagings of terror. Theatre on Terror: Subject Positions in British Drama charts the terrain of contemporary subjectivities both ‘at home’ and ‘on the front line’. Beyond examining the construction and contestation of subject positions in domestic and (sub)urban settings, the book follows border-crossing figures to the shifting battlefields in Iraq and Afghanistan. What emerges through the analysis of twenty-one plays is not a dichotomy but a dialectics of ‘home’ and ‘front’, where fluid, uncontainable subjects are constantly pushing the contours of conflict. Revising the critical consensus that post-9/11 drama primarily engages with ‘the real’, Ariane de Waal argues that these plays navigate the complexities of the discourse – rather than the historical or social realities – of war and terrorism. British ‘theatre on terror’ negotiates, inflects, and participates in the discursive circulation of stories, idioms, controversies, testimonies, and pieces of (mis)information in the face of global insecurities.

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CDE Studies 26

Cristina Delgado-García Rethinking Character in Contemporary British Theatre: Aesthetics, Politics,

Cristina Delgado-García
Rethinking Character in Contemporary British Theatre: Aesthetics, Politics, Subjectivity

Berlin/Boston: Walter de Gruyter, 2015.
ISBN 978-3-11-040390-9, 228 pp., hardb., € 99,95 (2015)

The category of theatrical character has been swiftly dismissed in the academic reception of no-longer-dramatic texts and performances. However, claims on the dissolution of character narrowly demarcate what a subject is and how it may appear. This volume unmoors theatre scholarship from the regulatory ideals of liberal humanism, stretching the notion of character to encompass and illuminate otherwise unaccounted-for subjects, aesthetic strategies and political gestures in recent theatre works. To this aim, contemporary philosophical theories of subjectivation, European theatre studies, and experimental, script-led work produced in Britain since the late 1990s are mobilised as discussants on the question of subjectivity. Four contemporary playtexts and their performances are examined in depth: Sarah Kane’s Crave and 4.48 Psychosis, Ed Thomas’s Stone City Blue and Tim Crouch’s ENGLAND. Through these case studies, Delgado-García demonstrates alternative ways of engaging theoretically with character, and elucidating a range of subjective figures beyond identity and individuality. Alongside these analyses, the book traces a large body of work that has experimented with speech attribution since the early twentieth-century. This is a timely contribution to contemporary theatre scholarship, which demonstrates that character remains a malleable and politically-salient notion in which understandings of subjectivity are still being negotiated.

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CDE Studies 25

Claudia Georgi Liveness on Stage: Intermedial Challenges in Contemporary British Theatre and

Claudia Georgi
Liveness on Stage: Intermedial Challenges in Contemporary British Theatre and Performance

Berlin/Boston: Walter de Gruyter, 2014.
ISBN 978-3-11-034653-4, 274 pp., hardb., € 109,95 (2014)

Theatre is traditionally considered a live medium but its ‚liveness‘ can no longer simply be taken for granted in view of the increasing mediatisation of the stage.

Drawing on theories of intermediality, Liveness on Stage explores how performances that incorporate film or video self-reflexively stage and challenge their own liveness by contrasting or approximating live and mediatised action. To illustrate this, the monograph investigates key aspects such as ‘ephemerality’, ‘co-presence’, ‘unpredictability’, ‘interaction’ and ‘realistic representation’ and highlights their significance for re-evaluating received notions of liveness. The analysis is based on productions by Gob Squad, Forkbeard Fantasy, Station House Opera, Proto-type Theater, Tim Etchells and Mary Oliver. In their playful approaches these practitioners predominantly present such media combination as a means of cross-fertilisation rather than as an antagonism between liveness and mediatisation.

Combining an original theoretical approach with an in-depth analysis of the selected productions, this study will appeal to scholars and practitioners of theatre and performance as well as to those researching intermedial phenomena.

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CDE Studies 24

Clara Escoda Agusti Martin Crimps's Theatre: Collapse as Resistance to Late Capitalist Society Berlin/Boston:

Clara Escoda Agusti
Martin Crimps’s Theatre: Collapse as Resistance to Late Capitalist Society

Berlin/Boston: Walter de Gruyter, 2013.
ISBN 978-3-11-030995-9, 336 pp., hardb., € 99,95 (2013)

This book reads Martin Crimp’s The Treatment (1993), Attempts on her Life (1997), The Country (2000), Face to the Wall (2002), Cruel and Tender (2004) and his adaptation of Chekhov’s The Seagull (2006) in the context of contemporary, late capitalist societies of control or of ‚spectacle‘, and explores how female collapse in particular works as a form of denunciation of the violence of globalized, technological neo-liberalism.

The book contends that Crimp is a post-Holocaust writer, whose dramaturgy is pervaded by the ethical and aesthetic debates that the Holocaust has generated in the twentieth and twenty-first centuries. Its main claim is that, by interpellating spectators through the defamiliarized language of collapse and testimony, Crimp invites spectators to contribute to detecting the seeds of ‚barbarism‘ as they may detect them in their context, thus warning them about the introduction of violence in supposedly civilized relationships and thereby also contributing to overcoming the contemporary ethical impasse.

The book finally argues that female characters who pass on their testimony are shown to the audience in the ‚process of becoming‘ ethical bodies – namely, they are emerge as ethical out of the perceived necessity to integrate both the Other as essential parts of their beings, thus recovering an innate, Baumian sense of responsibility towards the Other.

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CDE Studies 23

Elżbieta Baraniecka Sublime Drama: British Theatre of the 1990s Berlin/Boston: Walter de Gruyter, 2013. ISBN

Elżbieta Baraniecka
Sublime Drama: British Theatre of the 1990s

Berlin/Boston: Walter de Gruyter, 2013.
ISBN 978-3-11-030993-5, 254 S., geb., € 99,95 (2013)

British drama of the 1990s is most commonly associated with the term in-yer-face theatre, which was coined by Aleks Sierz to describe the shocking and provocative work of emerging playwrights such as Mark Ravenhill or Sarah Kane. Taking a cue from Sierz’s own suggestion that what still remains to be researched more thoroughly in this field is the particular relationship between the stage and the audience, this monograph undertakes precisely that task.

Rather than use the term offered by Sierz, however, the study proposes a different concept to account for the dynamics of communication within the particular theatre of the 1990s, namely the aesthetic category of the sublime. Coupled with elements of Reader Response Theory, the sublime proves to be a more fruitful term, as it provides more precise tools for the analysis of the audience’s aesthetic response than does in-yer-face theatre.

With the help of four representative plays by four key playwrights of that time, Closer by Patrick Marber, Normal by Anthony Neilson, Faust is Dead by Mark Ravenhill and 4.48 Psychosis by Sarah Kane, the book details the consecutive stages in the process of the plays‘ reception that the members of the audience go through while forming their aesthetic response to them. Looking through the prism of the sublime, the study not only offers a detailed analysis of each play but also suggests an entirely new approach to British drama of the 1990s.

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CDE Studies 22

Paula Deubner "Into the Light": Selbst und Transzendenz in den Dramen Sarah Kanes Trier: Wissenschaftlicher Verlag

Paula Deubner
„Into the Light“: Selbst und Transzendenz in den Dramen Sarah Kanes

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2012.
ISBN 978-3-86821-371-3, 254 S., kt., € 27,50 (2012)

Vergewaltigung, Verstümmelung und Selbstmord – die Bilder der Gewalt in den Dramen Sarah Kanes sind drastisch. Sie sind Teil einer Dramaturgie der figuralen Durchdringung, die hier unter dem Stichwort „Transfiguralität“ systematisch interpretiert wird. Kane thematisiert mit der Transfiguralität die Suche nach einer ultimativen Identität, die nicht in der Identifikation mit dem Anderen, sondern in der Transzendenz ihren Zielpunkt findet. Damit entwirft Kane in ihrer Dramaturgie eine moderne Mystik, in der das Selbst nur in seiner Überwindung und Auflösung gelingt. Der geschundene Leib wird mit einer negativen Religiosität und mit Vorstellungen romantischer Liebe konnotiert. Aus dieser Dramatisierung von Leiblichkeit, Liebe und Religiosität entwickelt Kane eine Teleologie des Selbst, die auf transzendierende Grenzerfahrungen zielt. Mit dieser Studie liegt erstmals eine umfassende Analyse des Nexus von Selbst und Transzendenz in den Dramen Kanes vor.

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CDE Studies 21

Ulrike Behlau-Dengler Zakhor! Remembering the British-Jewish Experience in British-Jewish Drama after 1945 Trier:

Ulrike Behlau-Dengler
Zakhor! Remembering the British-Jewish Experience in British-Jewish Drama after 1945

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2011.
ISBN 978-3-86821-314-0, 494 S., kt., € 48,50 (2011)

The very existence of British-Jewish drama has long been an open question. In October 2000, David Jays noted that „Jewish writing is a neglected presence in British Theatre“ and, in 2003, Diane Samuels referred to the same problem at a panel discussion stating that only Jews seem to notice that „[Harold] Pinter’s a profoundly Jewish writer“. In 2011, the question has been rephrased – but seemingly not settled – as Pascal asks the question whether „writing Jewish“ might (still) be a problem. As this thesis shows, British-Jewish drama seems to be very much alive, and memory and the act of remembering itself have emerged as central topics within British-Jewish drama. This thesis isolates four central ‚time-spaces‘, or chronotopes (Bakhtin), around which strategies of remembering and thus definitions of ‚who are we as British Jews‘ have clustered since the end of the Second World War: the Jewish East End as the birthplace of British-Jewish identity for Jewish immigrants and their children between the 1880s and the Blitz; the Jewish communities‘ suffering during the Middle Ages both on the continent and on British soil – which is also read as a precursor to the anti-Jewish hatred that marked the Holocaust; the Holocaust and its reverberations both on the continent and on UK territory; and the hopes and struggles for a stable and peaceful State of Israel from the 1940s until today. These imagined time-spaces have emerged as cornerstones of British-Jewish collective memory and have been used to structure and assign meaning to the experience of Jewish life in Great Britain. The dramatisations of British-Jewish figures of memory by Kops, Wesker, Steven Berkoff, Pascal, Samuels and Pinter are aimed at both Jewish and non-Jewish audiences, challenging Holocaust amnesia as well as simplistic and anti-Semitic representations of Jewish life. They do not intend to establish a dramatic sub or counter culture, but try to open up the monolithic self-definition of British collective memory to include a British-Jewish perspective as well, dealing with essential experiences and narratives of Jewish – but not just Jewish – life in Britain today.

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CDE Studies 20

Julia Weidenbach "The Power of the Past": Arthur Millers späte Dramen Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier,

Julia Weidenbach
„The Power of the Past“: Arthur Millers späte Dramen

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2011.
ISBN 978-3-86821-312-6, 328 S., kt., € 35,00 (2011)

„I started writing plays in 1934, almost sixty years ago, and I still don’t know how to do it!“, sagte Arthur Miller einmal. Eine bescheidene Aussage für einen Dramatiker, der mit Anfang 30 weltberühmt wurde. Sie beschreibt jedoch auch Arthur Millers Schaffensdrang. Bis kurz vor seinem Tod 2005 verfasste er Dramen, das Alter war eine seiner schöpferischsten Phasen. Arthur Millers Spätwerk steht jedoch im Schatten der berühmten frühen Stücke. Die Forschung befasst sich wenig mit den späten Dramen. Dieses Buch möchte diese Lücke füllen, indem es den Schwerpunkt auf die besonders interessanten Dramen der 90er-Jahre legt, diese interpretiert und in den Gesamtzusammenhang des Werkes stellt. Es werden starke Parallelen zu früheren Stücken beschrieben wie auch Entwicklungen, sowohl in thematischer als auch in formaler Hinsicht. Wie der Handlungsreisende Willy Loman hecheln auch in vielen späten Dramen die Figuren gesellschaftlichen Mythen hinterher und müssen sich mit ihrer Vergangenheit auseinandersetzen. Aufgrund seiner Kritik an der amerikanischen Gesellschaft gilt Arthur Miller als Altmeister des sozialkritischen Realismus. Gerade im Spätwerk experimentierte er jedoch immer wieder mit der Dramenform.

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CDE Studies 19

Jürgen Wehrmann Gedächtnis als Gefängnis: Metahistorische Reflexion in zeitgenössischen irischen Dramen Trier:

Jürgen Wehrmann
Gedächtnis als Gefängnis: Metahistorische Reflexion in zeitgenössischen irischen Dramen

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2011.
ISBN 978-3-86821-297-6, 432 S., kt., € 41,50 (2011)

Since the 1970s, numerous plays that connect remembering to imprisonment have been published and performed in Ireland. The present monograph interprets the recurrence of this motif as an element in a complex debate on a crisis of national memory, triggered primarily by the Troubles but also by experiences of modernisation and globalisation. The central challenge for drama in this situation has been the realisation that time and again the Irish nation has been imagined as a performance and that the theatre has played a significant role in staging heroic sacrifices for the nation. While exploring the usage of history in society, Irish drama does not only celebrate the utopian potential of the theatre as an antidote to political encrustation but also interrogates the theatre as a medium of national memory and its complicity with violence and oppression.

The Irish example thus suggests emphasising the differences between historiographic metafiction in prose and metahistorical reflection in drama. Instead of the structural affinity, it is the medial distance to historiography that opens up opportunities specific to the dramatic form. Due to its intermedial character as texts intended to be performed, plays are particularly capable of staging and reflecting on tensions and transitions between individual and collective memory; interaction and mediality; myth, fiction and history; as well as politics, academia and the theatre.

Against the background of constellations of historical memory that are traced back down to the Irish Renaissance and the Young Ireland movement, the monograph focuses on the analysis of select plays by Brian Friel, Stewart Parker and Sebastian Barry – playwrights to whose work metahistorical reflection is central and who represent different generations, communities and theatrical agendas.

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CDE Studies 18

Janine Hauthal Metadrama und Theatralität: Gattungs- und Medienreflexion in zeitgenössischen englischen

Janine Hauthal
Metadrama und Theatralität: Gattungs- und Medienreflexion in zeitgenössischen englischen Theatertexten

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2010.
ISBN 978-3-86821-211-2, 380 S., kt., € 38,50 (2010)

Wie auf dem Theater etablieren sich auch im zeitgenössischen Schreiben für die Bühne zunehmend Formen der Darstellung ohne realistische Handlung, Figuren oder Dialoge, die zur Erneuerung etablierter Ästhetiken in Drama und Theater beitragen. Im Rückgriff auf Theorien des Metadramas erfolgt in der vorliegenden Studie erstmals eine systematische Erfassung und funktionstheoretische Bestimmung des medien- und gattungsreflexiven Potenzials dieser Schreibweisen. Dabei erfordert die Entwicklung vom Drama zum postdramatischen Theatertext eine umfassende Neukonzeptualisierung des Metadramas am Schnittpunkt von Literatur- und Theaterwissenschaft. Dem theoretischen Entwurf liegt ein intermedialer Ansatz zugrunde, für den die Unterscheidung von auf das Drama als Form oder Fiktion bezogenen metadramatischen Schreibweisen und auf das Theater – die Aufführung, den Medienwechsel oder Konventionen der theatralen Darstellung – bezogenen metatheatralen Schreibweisen von zentraler Bedeutung ist.

Die theoretischen Überlegungen zum Metadrama münden in ein differenziertes gattungs- und medienspezifisches Analyseraster sowie eine funktionstheoretische Skalierung. Dieses Instrumentarium wird in ausführlichen Analysen (post-)dramatischer Theatertexte von Peter Nichols, Michael Redhill, Martin Crimp, Sarah Kane und Alan Ayckbourn angewendet. Die Bandbreite der so aufgezeigten Metaisierungen reicht vom Aufbau einer Schreibillusion und von der Inszenierung einer Dramatikerfigur bis zu Metaisierungen im Nebentext und experimentellen Inszenierungen der Druckseite, die sich als anti-theatralische Verweigerungen der mise en scène erweisen und ein texttheatrales Funktionspotenzial entfalten.

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CDE Studies 17

Holger Südkamp Tom Stoppard's Biographical Drama Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2008. ISBN

Holger Südkamp
Tom Stoppard’s Biographical Drama

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2008.
ISBN 978-3-86821-043-9, 380 S., kt., € 36,00 (2008)

Tom Stoppard once told a reporter he wanted his own biography to be as inaccurate as possible, a statement he corroborated by denying his biographer’s request to correct any factual errors in the latter’s typescript. On receiving a copy of the first ever complete biographical account of himself, he reacted with surprise, exclaiming: „How is it so big?“ At the same time, Stoppard usually begins his preparations for a new play by devouring life-writings of its historical subjects, incorporating passages of them, often verbatim, into his plays.

Stoppard, it seems, has an ambivalent attitude towards the genre of biography, on the one hand questioning its verisimilitude and its relation to an actual life, while on the other hand relying on the factual information it yields for his work. Historical personalities such as James Joyce, Lenin and Tristan Tzara, Lord Byron, A.E. Housman and Oscar Wilde, Alexander Herzen and Michael Bakunin, to name only a few, have been the main characters of some of Stoppard’s plays. Add to this a metahistorical and metabiographical constituent and the continuous discussion of different historical concepts. Nevertheless, studies regarding the playwright as a historical dramatist are few and far between. The present study will go even further by claiming that with his focus on the individual in history, and by broaching the question of the (im)possibility of its reconstruction, Stoppard is in many respects not only a historical, but chiefly a biographical dramatist.

The textual corpus of this study consists of Stoppard’s biography plays Rosencrantz and Guildenstern are Dead (1966/67), Travesties (1974), Arcadia (1993), Indian Ink (1995), The Invention of Love (1997) and Voyage, Shipwreck, Salvage: The Coast of Utopia part I-III (2002). In order to arrive at an understanding of biography in Stoppard’s drama, the study considers the genre of life-writing in itself and, as a second theoretical framework, the genre of biographical drama. Hence, the book is directed at two kinds of readers: readers looking for a survey of biography, biography in drama and Stoppard’s individual biography plays, and, most importantly, readers interested in the artistic and thematic development of Stoppard’s biographical drama from the classic Rosencrantz and Guildenstern are Dead to the monumental The Coast of Utopia.

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CDE Studies 16

Christine Quay Mythopoiesis vor dem Ende? Formen des Mythischen im zeitgenössischen britischen und irischen

Christine Quay
Mythopoiesis vor dem Ende? Formen des Mythischen im zeitgenössischen britischen und irischen Drama

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2007.
ISBN 978-3-88476-899-0, 372 S., kt., € 34,50

„I think we all need stories, we make up stories so that we can get by,“ so bringt der Protagonist Robbie aus Mark Ravenhills Drama Shopping and Fucking das ungebrochene Bedürfnis des modernen Menschen nach Kontingenzbewältigung auf den Punkt. Ein Mittel dazu findet sich in vertrauten und neuen Mythen, deren verschiedenen ästhetischen Verarbeitungsmechanismen im Zeitalter der Postmoderne diese Arbeit nachspürt. Wie die Autorin zeigt, finden sich gerade in der auf den ersten Blick selten mit dem Mythos in Verbindung gebrachten zeitgenössischen britischen und irischen Dramatik auffällig viele Berührungspunkte mit dem Mythischen, entweder als thematische Auseinandersetzung in Form einer „Arbeit des Mythos“ oder aber als formale mythische Schwundstufen, die sich gleichsam als ästhetische Spur durch die teilweise hochexperimentellen Theatertexte ziehen. Im Mittelpunkt der genauen Textanalysen stehen Dramen der neunziger Jahre des letzten Jahrhunderts von Autorinnen und Autoren wie Peter Shaffer, Caryl Churchill, Enda Walsh, Mark Ravenhill und Sarah Kane. Erstmals wird dabei ein zweiteiliges Analyseraster angeboten, das neben einem stoffgeschichtlichen Ansatz auch eine textwissenschaftliche Übertragung mythostheoretischer Überlegungen ermöglicht und somit auch jene Art moderner Mythopoiesis erfasst, die losgelöst vom Inhalt auf rein formaler Ebene wirksam ist.

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CDE Studies 15

Ricarda Klüßendorf The Great Work Begins – Tony Kushner's Theater for Change in America Trier:

Ricarda Klüßendorf
The Great Work Begins – Tony Kushner’s Theater for Change in America

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2007.
ISBN 978-3-88476-978-2, 312 S., kt., € 30,00

„Hurricane Kushner Hits the Heartland,“ the title of a 2003 New York Times article, is quite a fitting appraisal of Kushner’s career in the United States. From the earliest productions of his plays Off-Off-Broadway in the mid-80s, Kushner has made his way even into American living rooms, his Pulitzer Prize-winning Angels in America having been adapted for cable television. Poetical, political and polemical, his work has been a hotspot of American attention. His plays are in production all over the world, he is something of an unofficial spokesperson for the American gay community, and has become more and more of a public persona of the American Left in recent years. As Belize in Angels in America would phrase it, Kushner is „some piping hot dish.“

Central to Kushner’s work is the author’s focus on the necessity of „change“ and the need for „community“ in order to make change – both personal and political – possible. This study explores these themes in the dramatic work of Tony Kushner on several levels: It analyzes the portrayal of change and community in Kushner’s plays, focusing on A Bright Room Called Day, Angels in America, and Caroline, or Change. It places the author’s combination of harsh criticism and deep love for America in the context of American thought and writing. Making use of a number of unpublished earlier drafts of Angels in America and personal interviews with both the author and his collaborators, it also looks at the reciprocal connection between text and theatrical production in the developing process of Kushner’s plays.

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CDE Studies 14

Günter U. Beck Defending Dreamer's Rock – Geschichte, Geschichtsbewusstsein und Geschichtskultur im Native Drama

Günter U. Beck
Defending Dreamer’s Rock – Geschichte, Geschichtsbewusstsein und Geschichtskultur im Native Drama der USA und Kanadas

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2007.
ISBN 978-3-88476-954-6, 460 S., kt., € 42,50

Während der indianische Roman und die indianische Lyrik seit der Native American Renaissance der späten 1960er Jahre zu wichtigen Bereichen der nordamerikanischen Literatur geworden sind, schien ein modernes Native Drama nahezu völlig abwesend zu sein. Erst seit den 80er Jahren erfährt es als „medium of choice“ beständig wachsende Produktivität, auch wenn es noch nicht gebührende Aufmerksamkeit der Forschung gefunden hat. Zum einen bietet diese Studie den historischen Abriss der Entwicklung des Native Drama – von den präkolumbischen Ritualdramen über deren Verbote in der Kontaktzeit zu den Imaginationen indianischer Lebenswelten auf den euroamerikanischen Bühnen, von den neuen indigenen Kulturformen des Powwow über die ersten Anfänge im Theaterbetrieb bis zur Etablierung des modernen Native Drama Ende des 20. Jahrhunderts. Die Geschichte des indigenen Dramas und Theaters in den USA und Kanada wird unter Einbeziehung historischer, politischer, sozialer, ökonomischer, kultureller und ästhetischer Aspekte kontrastiv gegenübergestellt. Zum anderen wird das Native Drama anhand von Leitbegriffen aus dem aktuellen kulturwissenschaftlichen Theoriediskurs über Erinnerungskultur – wie Geschichtsbewusstsein, historische Erinnerung und Geschichtskultur – und deren dramatisch-ästhetischer Verarbeitung untersucht. Unter Berücksichtigung der spezifischen Gegebenheiten indianischer Geschichtsauffassung wird an zwölf ausgewählten Stücken so ein zentraler Themenkomplex hervorgehoben, der sich in den Dramen durchgängig manifestiert und ihre Suche nach postkolonialer indianischer Kultur und Identität wesentlich mitbestimmt.

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CDE Studies 13

Mark Berninger Neue Formen des Geschichtsdramas in Großbritannien und Irland seit 1970 Trier: Wissenschaftlicher

Mark Berninger
Neue Formen des Geschichtsdramas in Großbritannien und Irland seit 1970

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2006.
ISBN 978-3-88476-810-5, 424 S., kt., € 38,50

Literatur, die sich mit Geschichte auseinandersetzt, steht in Großbritannien und Irland schon lange hoch im Kurs. Neben dem historischen Roman, der seinen Ursprung im frühen 19. Jahrhundert bei Walter Scott hat, darf auch das Geschichtsdrama als britische Erfindung gelten. Oft jedoch verstellt die überragende Bedeutung der Historien Shakespeares den Blick dafür, dass sich die Tradition des Geschichtsdramas in Großbritannien und Irland bis heute fortsetzt und gerade in den letzten drei Jahrzehenten eine neue Blüte erfahren hat. Entscheidend hierfür war die Herausbildung neuer Formen des Geschichtsdramas, deren Innovationspotential wesentlich auf einer gewandelten Geschichtsauffassung gründet.

Die vorliegende Studie untersucht die Entwicklung dieses neuen Geschichtsdramas unter Einbeziehung von über 130 Stücken aus Großbritannien und Irland. Besondere Aufmerksamkeit erfahren dabei die Autoren Howard Barker, Peter Barnes, David Edgar, Brian Friel, Michael Frayn, Frank McGuinness, Tom Stoppard und Timberlake Wertenbaker, deren Stücke als Beispiele für neu entstandene Typen des Geschichtsdramas dienen. Zum traditionellen Geschichtsdrama gesellen sich so – neben der seit den 60er Jahren präsenten, politisch geprägten Geschichtsrevision im Drama – metahistorische Stücke, Geschichtstravestien, metawissenschaftliche und metadramatische Geschichtsdramen sowie posthistorische Dramen. All diese Erscheinungsformen des neuen Geschichtsdramas werden in ihren Eigenheiten definiert und dem Gesamtprozess der gewandelten Geschichtsauffassung am Ende des 20. Jahrhunderts zugeordnet. Aus der Vielfalt und Neuartigkeit des britischen und irischen Geschichtsdramas seit 1970 entspringt daher auch die Notwendigkeit einer erweiterten und neu gefassten Definition des Geschichtsdramas als Ganzes, zu welcher diese Studie einen essentiellen Beitrag leistet.

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CDE Studies 12

Kathleen Starck 'I Believe in the Power of Theatre' – British Women's Drama of the 1980s and 1990s Trier:

Kathleen Starck
I Believe in the Power of Theatre‘ – British Women’s Drama of the 1980s and 1990s

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2005.
ISBN 3-88476-753-4, 272 S., kt., EUR 28,00

This study gives an overview of British women’s drama of the 1980s and 1990s. It analyses thirty plays by twenty-six authors, whose works have been performed from 1980 onwards. Against the background of the first wave of women playwrights and women’s theatre companies during the 1960s and 1970s, a number of trends are pointed out.
Major influences on British women’s drama were the rise and fall of Thatcherism, the coming of age of the women’s liberation and gay liberation movements and the emergence of a „multi-cultural“ Britain.

The advancement of feminism, in particular, affected the choice of subject matter and the approach taken. There are parallels between the maturing of feminist studies/feminist literary criticism and trends in British women’s drama of the 1980s and 1990s. These parallels, such as turning away from the mere “consciousness raising” of first and second wave feminism and first wave women’s drama, are evident in the emergence of gender transgressing subjects and in changes in dramatic form.


CDE Studies 11

Anette Pankratz "Death is ... not." - Repräsentationen von Tod und Sterben  im zeitgenössischen britischen

Anette Pankratz
„Death is … not.“ – Repräsentationen von Tod und Sterben  im zeitgenössischen britischen Drama

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2005.
ISBN 3-88476-752-6, 400 S., kt., EUR 34,50

Der Tod ist ein blinder Fleck, den wir zwar sichtbar  machen können, damit aber nur die finale Leerstelle notdürftig verbergen und nie wirklich adäquat ausfüllen. Mit welchen Mitteln und welchen Inhalten betreibt das zeitgenössische englischsprachige Drama die  Vergegenwärtigung des Todes zwischen Sein, Nicht-Sein und Noch-Nicht-Nicht-Mehr-Sein? Die Repräsentationsstrategien der Dramen decken eine große  formelle und thematische Bandbreite ab – von der  Sozialkritik à la Bond und Brenton bis zu anarchischem Witz, ‚in-yer-face‘-Brutalität und  existentieller Verzweiflung. Entweder dienen Repräsentationen von Tod und Sterben dazu, soziopolitische Mangellagen empathisch aufzuladen oder sie verweisen auf die generelle Instabilität von Lebensentwürfen und kulturellen Normen. Dazu kommt in vielen Stücken noch das Spiel mit traditionellen Todesbildern und der Dekonstruktion konventioneller Konnotationen.


CDE Studies 10

Christiane Schlote and Peter Zenzinger, eds. New Beginnings in Twentieth-Century Theatre and Drama: Essays in Honour

Christiane Schlote and Peter Zenzinger, eds.
New Beginnings in Twentieth-Century Theatre and Drama: Essays in Honour of Armin Geraths

Trier: Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2003.
ISBN: 3-88476-639-2, 494 S., kt., € 32,50

New beginnings in twentieth-century theatre and drama, experiments with forms and content and stylistic departures from traditional models are presented in this collection of essays in four sections, which are reprenstative of Armin Geraths’s interests and achievements. The first, entitled Anglo-American Stages, brings together case studies from the 1920s up to the present. Articles on expressionism and the response to the Vietnam war illustrate the innovative forces in American drama; British drama, which has taken the lead in developing new theatre aesthetics during the last three decades, is represented in articles on Brenton, Shaffer, Bond, Churchill, Kane, Ravenhill, Neilson, Welsh and Lochhead. The focus of the second section is on Musical Stages, where experiments in the opera, the rock opera, the ballad opera and, above all, the musical are analysed. The third section, entitled Multicultural Stages, moves beyond the category of Anglo-American theatre and drama and examines examples of ethnic drama, documentary theatre, and Kenyan and Cuban theatre. Finally, the fourth, overarching section, with the title Interdisciplinary Stages, contains essays which extend the range of genres dealt with in the previous contributions by adding the media of painting, dance, television and film.


Table of Contents

Christiane SCHLOTE/ Peter ZENZINGER
Introduction

I — Anglo-American Stages

TILL KINZEL (Berlin)
Hard Times for Great Men: Sir Winston Churchill Revisited in Howard Brenton’s The Churchill Play

JAN HOLLM (Ludwigsburg)
„What did really happen?“: History in Peter Shaffer’s Lettice and Lovage

UTE BERNS (Berlin)
History and Violence in British Epic Theatre: From Bond and Churchill to Kane and Ravenhill

RAIMUND BORGMEIER (Giessen)
„Let’s make it really, really rude“: The British Confrontational Theatre of the 1990s

PETER ZENZINGER (Berlin)
The „New“ Devolved Scotland Viewed Through Molière’s Eyes: Liz Lochhead’s Miseryguts

KURT MÜLLER (Jena)
The Rise and Fall of Expressionism as an Innovative Force in American Drama of the 1920s

MARGIT SICHERT (Giessen)
Megan Terry’s Viet Rock: Theater gegen den Krieg

II — Musical Stages

HORST DÖLVERS (Berlin)
Dunkelheit über Brigg Fair: Interpretationen der Modernität von Frederick Delius‘ rhapsodischen Tondichtungen

CORD-FRIEDRICH BERGHAHN (Braunschweig)
„A kind of poetry for the instruments“: Überlegungen zu Ingeborg Bachmanns und Hans Werner Henzes Opern

ERNEST W. B. HESS-LÜTTICH (Bern)
Tadzio – or: Intermedial Ephebophilia Benjamin Britten’s Opera Death in Venice

WOLFGANG JANSEN (Düsseldorf)
Das Musical kommt nach Deutschland: Zur Rezeption des populären amerikanischen Musiktheaters im deutschsprachigen Feuilleton der fünfziger Jahre

BERNHARD REITZ (Mainz)
„Babes in the Wood“: The Rocky Horror Show as Carnival and Rite of Passage

STEPHAN SEBASTIAN SCHMIDT (Berlin)
Pacific Overtures: Stephen Sondheim’s Unsuccessful Ballad Opera

ROLF EICHLER (Konstanz)
„See me, touch me, feel me, heal me“: Tommy the Autistic Superstar

III — Multicultural Stages

Klaus Schwank (Giessen)
Mainstream Theatre and „Totem Voices“: Ntozake Shange’s for colored girls who have considered suicide / when the rainbow is enuf

HERBERT GRABES (Giessen)
Die Imaginierung ethnischer Weltsicht im neueren amerikanischen Drama

CHRISTIANE SCHLOTE (Berlin)
Transatlantic Documentary Theatre: Dramatic Gleanings of Racialized Violence and Public Discourses

MIGUEL ANGEL ESQUIVEL RIOS (Havanna/Berlin)
Absurd, existentialistisch, kubanisch? Virgilio Piñeras Electra-Stück als Neuansatz im modernen kubanischen Drama

PETRA BITTNER (Boston)
The Perils of African Post-Colonial Theatre: Between Historical Fact and Fiction in Kenya

IV — Interdisciplinary Stages

RENATE BROSCH (Potsdam)
Insidious Interiors: John Singer Sargent’s Theatrical Versions of Domestic Portraiture

WILFRIED RAUSSERT (Berlin)
Reinterpreting the Body: Gender, Utopia and the Innovations of the Judson Dance Theater and the Living Theatre

FRANZ WIESELHUBER (Giessen)
Mamet and Television

TATJANA PAVLOV (Berlin)
Peter Greenaway’s The Cook, The Thief, His Wife and Her Lover: A Contemporary Revenge Tragedy

MICHAEL KREKEL (Bad Honnef)
Re(tro)spektive: Armin Geraths in Giessen im Prisma der Erinnerung


CDE Studies 09

Rudolf Weiss Der Januskopf der traditionellen Moderne: Die Dramenästhetik St. John Hankins und John

Rudolf Weiss
Der Januskopf der traditionellen Moderne: Die Dramenästhetik St. John Hankins und John Galsworthys

Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2002.
ISBN 3-88476-514-0, 368 p., paperback, EUR 32,50

Diese Studie widmet sich dem dramatischen Oeuvre St. John Hankins und John Galsworthys. Im Kon­text edwardianischer Sinnsysteme werden die bei­den ‚Neuen Dramatiker‘ anhand von Vergleichen mit der viktorianischen Dramatik wie mit dem dramatischen Umfeld des frühen 20. Jahrhunderts im Übergang vom traditionellen zum modernen Drama positioniert. Die von der Literaturwissenschaft bisher vernachlässigten bzw. unterschätzten Bühnenautoren haben einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung des englischen Dramas geleistet. Sowohl Hankin als auch Galsworthy haben eine individuelle Dramenästhetik entwickelt, die im inhaltlichen wie formalen Bereich innovative Akzente setzt. Ohne völlige Abkehr von der Tradition manifestiert sich die Moderne in ihrem dramatischen Werk in aufgebrochenen oder invertierten Strukturen, in ambivalenten Charakteren und einer weitgehend offenen Perspektivenstruktur, die eine komplexe Sympathielenkung bedingen und eine unzweideutige Rezeption unterlaufen. Dramenhistorsich werden Hankin und Galsworthy als Erneuerer traditioneller Genres präsentiert. Hankin, der höhnisch grinsende ‚edwardianische Mephisto‘, hat die Gesellschaftskomödie eines Oscar Wilde für die postviktorianische Zeit adaptiert. John Galsworthy, der ernsthafte, besorgte Humanist, hat das problem-play der Jahrhundertwende von populären Ingredienzien befreit und thematisch wie strukturell der Moderne angenähert.


CDE Studies 08

Bernhard Reitz, Heiko Stahl (Eds.) What Revels are in Hand? Assessments of Contemporary Drama in English in Honour of

Bernhard Reitz, Heiko Stahl (Eds.)
What Revels are in Hand? Assessments of Contemporary Drama in English in Honour of Wolfgang Lippke

Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2001.
ISBN 3-88476-462-4, 370pp., EUR 33,-

The members of CDE and his friends dedicate this volume to Wolfgang Lippke in respectful, grateful, and affectionate acknowledgement, of his commitment to the society he founded and of the invaluable contribution he has made to the cross-cultural dialogue of all those who share an interest in drama in English.

Table of Contents:

Drama as Enlightenment – Theatre as an Event:
Wolfgang Lippke and the Performing Arts

M. A. Frankel (Berlin)
„He who can, does …“: The CDE, the British Council, and Wolfgang Lippke

Howard Brenton (London)
„Had I as many souls as there be stars“:
Christopher Marlowe and Us

David Edgar (Birmingham)
The Canon, the Comtemporary and the New

John Arden (Galway)
A Playwright from Germany: A Soldier from Ireland

Thomas Kilroy (Kilmaine)
The Wildean Triangle

Nicholas Arnold (Leicester)
Returning to Our Muttons

Martin Banham (Leeds)
Playing the Space: Ola Rotimi’s Stagecraft

Max Stafford-Clark (London)
Rita, Sue and Bob Too / A State Affair

Nicole Boireau (Metz)
Pushing the Boundaries: A Spectator’s Table

Klaus Peter Müller (Stuttgart)
British Theatre in the 1980s and 1990s: Forms of Hope and Despair, Violence and Love

Bernhard Reitz (Mainz)
Fringe Prophecies and Subsidized Warnings:
Political Theatre in the Thatcher Era

Margarete Rubik (Vienna)
Saying the Unspeakable: Realism and Metaphor in the Depiction of Torture

Peter Paul Schnierer (Tübingen)
Hyperdrama – Prototypes, Current Practice, Problems

Christopher Innes (Toronto)
From theFront Page to Pravda:
Alle the News that’s Fit to Stage

Martin Middeke (Augsburg)
Metadrama and/as (Cultural) Evolution:
Timberlake Wertenbaker’s After Darwin

Elizabeth Sakellaridou (Thessaloniki)
Adrienne Kennedy:
Odd-Woman-Out of Postmodernist Poetics

Heiko Stahl (Mainz)
Harold Pinter and Family Therapy:
A Systemic Approach to Character Constellations in The Lover, Old Times, and Ashes to Ashes

Eckart Voigts-Virchow (Giessen)
Sarah Kane, a Late Modernist:
Intertextuality and Montage in the Broken Images of Crave (1998)

Heiner Zimmermann (Heidelberg)
Howard Barker’s Brecht or Brecht as Whipping Boy

Albert-Reiner Glaap (Düsseldorf)
New Voices in Canada: Contemporary Plays by Three First Nations Authors

Nilufer E. Bharucha (Mumbai)
From Macaulay’s Minute to the Millennium:
An Overview of Indian Drama in English

Uma Narain (Lucknow)
To the Heart of the Matter

Sridhar Rajeswaran (Hodeidah, Yemen)
Waltzing Across the Tigthrope

Uwe Böker (Dresden)
The Utopian Drama and Science Fiction Play

Peter Zenzinger (Berlin)
A Bibliography of Drama Criticism, 1990-2000


CDE Studies 07

Anja Müller-Muth Repräsentationen - Eine Studie des intertextuellen und intermedialen Spiels von Tom Stoppards

Anja Müller-Muth
Repräsentationen – Eine Studie des intertextuellen und intermedialen Spiels von Tom Stoppards Arcadia

Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2001.
ISBN 3-88476-420-9, 331pp., EUR 33,-

Diese Studie setzt sich kritisch mit Konzeptionen von Repräsentationen, Intertextualität und Intermedialität auseinander und überprüft die theoretischen Schlussfolgerungen am Beispiel von Tom Stoppards Komödie Aracadia (1993) auf ihren heuristischen Wert. Es wird vorgeschlagen, Repräsentation nicht auf die abbildhafte Beziehung zwischen Zeichen und Objekten zu beschränken, sondern auch Elemente der Repräsentation, der Wiederholung, des Verweises und die Bedeutung des Rahmens bei der Betrachtung von Repräsentationsprozessen zu berücksichtigen. Auf dieser Grundlage entwickelt die Autorin ein weites Verständnis von Intertextualität und Intermedialität, welches im interpretatorischen Teil zur Anwendung gelangt. Die Textanalyse befasst sich mit den Subjektpositionen der Charaktere, dem Titel als allusionsgeladenem Paratext sowie den Anspielungskomplexen des pittoresken Landschaftsgartens und der Chaostheorie. Das Stück unterstreicht und exemplifiziert die im theoretischen Teil gewonnenen Erkenntnisse, denn es zeigt nicht nur, wie Kunst und Literatur sich durch den Verweischarakter der Zeichen einer Analyse widersetzen, sondern stellt auch epistemologische Strategien an sich in Frage.


CDE Studies 06

Stephanie Kramer Fiktionale Biographien: (Re-)Visionen und (Re-)Konstruktionen weiblicher Lebensentwürfe in Dramen

Stephanie Kramer
Fiktionale Biographien: (Re-)Visionen und (Re-)Konstruktionen weiblicher Lebensentwürfe in Dramen britischer Autorinnen seit 1970

Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2000.
ISBN 3-88476-419-5, 322pp., EUR 29,-

Die vorliegende Studie versteht sich als ein Beitrag zum historischen Drama und zur Frauenforschung. Seit Beginn der 1970er Jahre erschließen britische Autorinnen neue Themenbereiche im Genre der fiktionalen Biographie im Drama, die mit einem zunehmenden Verzicht auf realistische Darstellungsverfahren einhergehen. Unter Berücksichtigung dieser Neuerungen wird die Genredefinition modifiziert: Nicht nur Dramen, die individuelle Lebensentwürfe in der Vergangenheit und deren soziokulturelle Bedingtheit darstellen, werden so mit einbezogen, sondern auch solche, die Probleme des Fremdverstehens und Schwierigkeiten bei der Rekonstruktion vergangenen Lebens aus der Gegenwartsperspektive zeigen. Um diese Entwicklung erfassen zu können, wird eine Kombination aus einem kulturwissenschaftlichen und einem dramentheoretischen Ansatz gewählt. Da der Beitrag von Dramatikerinnen zum historischen Drama bislang vernachlässigt worden ist, stehen im Interpretationsteil Stückanalysen von Autorinnen im Mittelpunkt. Dabei werden typische Scherpunkte ebenso wie Entwicklungstendenzen in den Dramen herausgearbeitet. Das Spektrum reicht von einer revisionistischen Darstellung weiblicher Lebensentwürfe, welche von der Biographik oftmals verzerrt dargestellt, marginalisiert oder völlig ausgespart worden sind, bis hin zu metabiographischen Dramen, in denen Autorinnen die Konstruktivität von Identität sowie die Probleme von Repräsentation thematisieren und/oder mit dramatischen Mitteln inszenieren.


CDE Studies 05

Klaus Peter Müller Wertstrukturen und Wertewandel im englischen Drama der Gegenwart Wissenschaftlicher Verlag

Klaus Peter Müller
Wertstrukturen und Wertewandel im englischen Drama der Gegenwart

Wissenschaftlicher Verlag Trier, 2000.
ISBN 3-88476-395-4. EUR 32,50

Wie stellen sich Werte in Dramen dar, und wie lassen sich Werte in dramatischen Texten in unserer Zeit erkennen, in der eine relativ große Unsicherheit gegenüber Wertdiskussionen herrscht, wo von Wertkrise und Werterelativismus gesprochen wird, nicht zuletzt weil die Postmoderne alle Grundlagen für Wertsetzungen in Frage gestellt hat? Der Band sieht das englische Gegenwartsdrama im Kontext aktueller Diskussionen über Möglichkeiten und Probleme der Wertsetzung, wobei der Konstruktivismus als eine wichtige Grundlage für die pragmatische Erstellung von Werten angesehen und in die Argumentation aufgenommen wird. Neben dem Konstruktivismus liefern vor allem Semiotik und Hermeneutik Zugänge zur Wertanalyse. Literatur wird als ein spezifischer ‚Raum der Werte‘ definiert, wobei das Drama Werte vor allem durch Sprache zur Handlung bringt.

Die Dramenanalysen konzentrieren sich auf repräsentative Texte und Autor/inn/en relevanter Gruppierungen beginnend mit dem Theater des Absurden, das die Wertlosigkeit menschlicher Existenz als theoretischen Ausgangspunkt nimmt, fortschreitend mit politisch engagierten Dramen, die notwendigerweise Werte vermitteln, und abschließend mit von Frauen geschriebenen Dramen, die am deutlichsten die konstruktivistische Komponente gegenwärtiger Wertdiskussionen vermitteln. Dabei wird die besonders enge Beziehung zwischen konkreten Inhalten und spezifischen literarischen Formen herausgestellt, die sich bei der Frage nach Werten notwendigerweise ergibt und die betont, daß Literatur und Literaturwissenschaft immer in einem aufschlußreichen Zusammenhang mit Denk- und Erkenntnisstrukturen sowie spezifischen kulturellen Kontexten steht. Das Verstehen von Literatur erklärt sich daher als kulturelle Sinn- und Wertinterpretation, und das Buch vermittelt entsprechend Einsichten in für Wertdiskussionen wie für literarische Interpretationen relevante kulturelle Zusammenhänge.


CDE Studies 04

Michael Raab Erfahrungsräume. Das englische Drama der neunziger Jahre Wissenschaftlicher Verlag Trier, 1999. ISBN

Michael Raab
Erfahrungsräume. Das englische Drama der neunziger Jahre

Wissenschaftlicher Verlag Trier, 1999.
ISBN 3-88476-355-5. EUR 18,-

Im deutschsprachigen Theater kann derzeit von einer regelrechten Welle an Aufführungen neuer englischer Dramen gesprochen werden. Michael Raab, Dramaturg an den Münchner Kammerspielen und freier Journalist, fragt nach den Gründen für diesen Aufschwung. Mit dem Royal Court, dem Theatre Royal Stratford East, dem Bush und dem Almeida Theatre stellt er die Arbeit der vier wichtigsten Londoner Uraufführungsbühnen vor. Einzelanalysen sind der legendären Agentin Margaret Ramsay sowie mit Edward Bond, David Hare und Tom Stoppard drei seit längerem etablierten Dramatikern gwidmet. Mit Alan Bennett, Terry Johnson und Stephen Poliakoff werden drei Hauptvertreter der mittleren Generation porträtiert. Weitere Kapitel beschäftigen sich mit Stückeschreiberinnen von Caryl Churchill bis Shelagh Stephenson sowie den beiden neuesten Shooting-Stars Martin McDonagh und Patrick Marber. Darüber hinaus werden die Autoren- und Theaterförderung in England sowie die Rezeption der Texte auf deutschsprachigen Bühnen untersucht. Der Band gibt aus journalistischer und theaterpraktischer Sicht einen Überblick über die aktuellen Entwicklungen im englischen Drama.


CDE Studies 03

Jale Abdollahzadeh Das zeitgenössische englische Frauendrama zwischen politischem Engagement und ästhetischer

Jale Abdollahzadeh
Das zeitgenössische englische Frauendrama zwischen politischem Engagement und ästhetischer Reflexion

Wissenschaftlicher Verlag Trier, 1997.
164pp. ISBN 3-88476-250-8. EUR 22,-

Women playwrights haben bisher in der Forschung nur selektive Berücksichtigung gefunden. In dieser Arbeit entwickelt die Autorin einen übergreifenden Ansatz, der ausgewählte Stücke der Dramatikerinnen Caryl Churchill, Sarah Daniels, Liz Lochhead, Pam Gems und Louise Page aus den siebziger und achtziger Jahren in einem Spannungsfeld zwischen sowohl inhaltlich gefüllten als auch ästhetisch vermittelten dramatischen Experimenten ansiedelt, die zur Etablierung einer innovativen Theatersprache beitragen können.

Die sorgfältigen und kritischen Einzelanalysen zeigen die Suche nach einer von Fremdbestimmung freien, weiblichen Identität als Kernthema der Frauendramen. Neben einer deutlichen Tendenz zur Polarisierung und Kritik am patriarchalischen System läßt sich zumindest bei einigen Dramatikerinnen eine bewußte Überschreitung etablierter Wertsysteme erkennen, so daß bei ihnen die Frage nach spezifisch „weiblichen“ und „männlichen“ Konzeptionen in den Hintergrund rückt. Die Studie verdeutlicht, daß das Frauendrama einen Reflexionsprozeß in Gang zu setzen vermag, der Frauen und Männer aus den alten Rollenkorsetts befreien kann.


CDE Studies 02

Ute Berns Mikropolitik im englischen Gegenwartsdrama: Studien zur Dramatisierung gesellschaftlicher Macht- und

Ute Berns
Mikropolitik im englischen Gegenwartsdrama: Studien zur Dramatisierung gesellschaftlicher Macht- und Ausschließungsmechanismen bei Pinter, Keeffe und Churchill

Wissenschaftlicher Verlag Trier, 1997.
ISBN 3-88476-236-2. 347pp., EUR 28,50

Die Arbeit versucht in der Diskussion um das moderne englische Drama einen Neuansatz, der bestehende Klassifikationen wie „sozialkritisches“ und „absurdes“ Drama relativiert. Orientiert an Foucaults Konzept der Mikropolitik untersucht sie die dramatische Repräsentation institutioneller Machtmechanismen anhand von Pinters One for the Road, Keeffes Gotcha und Churchills Cloud Nine, Dramen, die zum Gesamtwerk der Autoren und zu anderen Werken des englischen Gegenwartsdramas vielfältig in Beziehung gesetzt werden. Die Stücke thematisieren die von Foucault herausgestellten Institutionen des Gefängnisses, der Schule sowie der Familie und modellieren – dies verdeutlichen Bezüge auf außerliterarische zeitgenössische und historische Diskurshorizonte – in paradigmatischer Weise sprachliche und körperbezogene Machtmechanismen.

Inspiriert von Geertz‘ Modell der thick description und im Rückgriff auf paradigmatische, strukturalistische und soziolinguistische Analysen, poststrukturalistische Repräsentationsmodelle sowie diskurs- und sprechakttheoretische Ansätze wird die Dramatisierung des prozeßhaften Wechselverhältnisses zwischen den institutionalisierten Machtmechanismen und der Subjektivität der Figuren verfolgt. Unter Einbeziehung möglicher Inszenierungseffekte wird sichtbar, mit welchen Mitteln die Dramen institutionelle Ausschließungen entlang zugeschriebener oder eingeklagter Differenzen, etwa sozialer Herkunft, Geschlecht, ethnischer Zugehörigkeit usw. profilieren. Dem englischen Gegenwartsdrama wird bei der Dramatisierung gesellschaftlicher Macht- und Ausschließungsmechanismen außerordentliche Repräsentationskraft und ein differenziertes kritisches Potential zugesprochen.


CDE Studies 01

Eberhard Bort (ed.) The State of Play: Irish Theatre in the 'Nineties' Wissenschaftlicher Verlag Trier, 1996. 202

Eberhard Bort (ed.)
The State of Play: Irish Theatre in the ‚Nineties‘

Wissenschaftlicher Verlag Trier, 1996.
202 pp. ISBN 3-88476-232-X. EUR 19,50

„…our theatre in the nineties is alive and well and in pursuit of new understanding, new images, fresh articulation of who we are as a people, what we are as individuals and where we are headed as a nation in the age of the Maastricht Treaty, the Common Agricultural Policy, and the Land of Heart’s Desire, where the Deutschmark is re-writing all our histories. In high (or is it not low?) Germany we came to dig a little deeper into such questions and challenges as these histories continue to pose. Allthough our agenda was the contemporary theatre and drama, it was not forgotten that the battle standard followed was originally designed by Yeats, suitably mocked at by Shaw, and carried with pride and passion by Synge almost one hundred years ago.“

Thus Christopher Murray in this introductory essay of this volume: a timely assessment of Irisch drama and theatre in the 1990s, developed from the papers given at an international conference on contemporary Irisch Theatre at the University of Tübingen, south Germany. The conference marked the fifteenth anniversary of the Tübingen Anglo-Irisch Theatre Group, a University-based company which has produced well over sixty Irish plays in Tübingen and beyond.


Table of Contents

Eberhard BORT: „Preface:’There’s a Buzz'“

Ivy BANNISTER: „A Place Called Tübingen“

Christopher MURRAY: ‚The State of Play: Irish Theatre in the ‚Nineties“

Karin McCULLY: National Theatre: The State of the Abbey“

Anna McMULLAN: „Reclaiming Performance: The Contemporary Irish Independent Theatre Sector“

Cathy LEENEY: „Deevy’s Leap: Teresa Deevy Remembered in the 1990s“

Brendan MacGURK: „Commitment and Risk in Anne Devlin’s Ourselves Alone and After Easter

Gerald DAWE: „A Hard Act Stewart Parker’s Pentecost

Robert F. GARRATT: „Beyond Field Day: Brian Friel’s Dancing at Lughnasa

Eberhard BORT: „‚Come on You Boys in Green‘: Irish Football, Irish Theatre, and the’Irish Diaspora'“

Claudia W. HARRIS: „Reinventing Women: Charabanc Theatre Company“

Tom MAGILL: „Between a Bible and a Flute Band: Community Theatre in the Shankill and in Long Kesh“

Beate RICHTER: „The Experience of Understanding Belfast: The Adventure of Translating Graham Reid“

Stuart MARLOW: ‚The Northern Irish Troubles: A Problem of Representation“

Mary CLOAKE: „Beyond the Theatre Review: The Arts Council and Regional Developments in Irish Theatre“

Paul O’HANRAHAN: „Local Arts Centres and Irish Theatre“

Select Bibliography